Semana 1 El Impresionismo

¿En qué contexto surge?

El siglo XIX estará caracterizado por la estabilización del modelo capitalista como forma económica predominante, la empresa parece independizarse del hombre, la máquina cada vez más ocupa un lugar predominante en la sociedad y las teorías socialistas comienzan a ventilar una verdadera lucha de clases, en la cual el oprimido –por el dinero, por las empresas- toma conciencia de esta desventaja y lucha por mejores condiciones.
En buena parte este modelo podía verse este situación igualmente en el arte. Los pintores de la Academia de Bellas Artes de Francia dominaban el panorama artístico, sus temas preferidos eran los históricos, religiosos, mitológicos y retratos; mientras los paisajes y las naturalezas muertas eran descartadas. Los colores eran sombríos y conservadores. La Academia organizaba anualmente el Salón de Paris y quienes participaban en él eran en definitiva quienes ganaban premios, dinero y prestigio.
Había un “arte oficial” y un “arte independiente”, fomentado por el emperador Napoléon III.
Por su parte, los pintores jóvenes trabajaban en colores más vivos, recreando paisajes y escenas de la vida contemporánea. Todos los años pintores jóvenes intentaban entrar al Salón, pero sus pinturas eran descartadas por trabajos más triviales pero que cumplían con los requisitos estéticos de los jurados. Llegaron al punto de rechazar en 1863 El almuerzo sobre la hierba de Edouard Manet, básicamente, porque la mujer que se presenta junto a dos hombres estaba desnuda. Al ver esta injusticia Napoleón III decidió que era el momento de que el público juzgara por sí mismo y se organizó el primer Salón de los Rechazados. No fue sino hasta 1874 cuando Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, y Edgar Degas organizaron una exposición en el estudio del fotógrafo Nadar. Louis Leroy, crítico y humorista que asistió a la exposición, escribió acerca del cuadro Impresión: amanecer, lo siguiente: “Impresión. No me cupo duda. Me estuve diciendo a mí mismo que, dado que estaba impresionado, alguna impresión tenía que haber allí (…) ¡Y cuánta libertad! ¡Cuánta liberalidad en la mano de obra! El papel tapiz en su estado embrionario está más logrado que ese paisaje marino”. De aquí surge el término Impresionismo que será acogido por el público.

¿Quiénes eran?

Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, y Edgar Degas

¿Qué hacían?

Los pintores impresionistas van a salir de su estudio a locaciones exteriores para buscar la belleza simple de la naturaleza y a sus “humildes contemporáneos”, en contraste con la tradición, en la cual los pintores incluso cuando trabajaban con paisajes, lo hacían en sus estudios.
La visión es relativa del objeto y su circunstancia y del pintor, por eso Manet decía “Yo pinto lo que veo, y no lo que otros quieren ver”.
Los tres problemas claves del Impresionismo habían sido la luz -las cosas son diferentes con diferente luz-, el espacio –no hay dramatismo ni escenografía sino que se puede apreciar por un detalle, por la relación de dos elementos del cuadro, por un enfoque diferente o por la gradación de la intensidad lumínica- y el momento, por una necesidad de plasmar el instante, lo fugaz.
Pintaban escenas realistas de la vida moderna donde importaba era el efecto general y no el detalle.


¿Cómo lo hacían?

1. Utilizaban pinceladas cortas y espesas para capturar rápidamente la esencia del objeto más que sus detalles. Se pintaba de manera rápida.
2. Los colores se aplican uno al lado del otro con la menor mezcla posible para crear una superficie vibrante. La mezcla óptica ocurre generalmente en el ojo del espectador.
3. Los grises y otros tonos oscuros se producen mezclando colores secundarios. En el Impresionismo puro el uso del negro se evita.
4. Se coloca pintura húmeda sobre pintura húmeda, sin esperar al secado, con lo cual hay mezcla de colores.
5. La superficie de las obras impresionistas es generalmente opaca.
6. El juego de la luz natural se enfatiza. Se presta mucha atención al reflejo de colores de cada objeto.
7. En las pinturas hechas fuera del estudio, las sombras son pintadas explícitamente con el color azul del cielo, tal como se refleja en las superficies, dado una sensación de frescura y libertad nunca antes vista en la pintura.

El Impresionismo como padre de las vanguardias

Como anota Houser todo el arte moderno es producto de la improvisación; todo depende de la idea; de que el sentimiento, la disposición de ánimo y la inspiración son más fértiles están relacionados más directamente con la vida que la intelección artística, el gusto crítico y el plan preconcebido. Los elementos más valiosos de la obra de arte son ocurrencias fortuitas, hallazgos, regalos de una inspiración divina, lo mejor que puede hacer el artista es dejarse llevar por su inventiva. Algunas de las afirmaciones que parecieran desprenderse de este arte son: “Porque yo lo siento así”, “porque yo lo quiero así”.
Se admite una inagotabilidad del objeto representado, se duda de la capacidad del arte para vencer la realidad, a contracorriente clara de los clásicos.
En términos económicos, dado su contexto histórico, el artista impresionista será el primero en no depender de la corte y poder vender sus pinturas a un público independiente. El artista tenía que sacar al mercado sus obras para poder venderlas, así la exhibición era una de las necesidades esenciales de esta nueva generación de artistas.

Fin del Impresionismo

Se encontraron con el paredón del callejón cuando se dieron cuenta que toda su revolución había consistido en poner los colores desde el tubo directamente en el lienzo, sin pasar por la paleta, pero que por lo demás, no habían inventado nada que no se había hecho desde Giotto: Pintar lo más fielmente lo que veían: una cara con dos ojos si el modelo tenía dos ojos; un caballo de un metro sesenta centímetros de alzada si el animal tenía esas medidas; un río de doscientos metros de ancho con un puente de cinco arcos si el río tenía doscientos metros de ancho y cinco ojos el puente. Era bueno que desapareciesen, dejando paso al expresionismo del siglo XX: permitir a los artistas volver a las raíces de todo el arte: el arte africano.
Sin embargo, el impresionismo es una de las corrientes artísticas más aceptadas por el público, con más seguidores, exposiciones y bibliografía que refiera a ella, algunas expertos comentan que es, en gran parte, por su mezcla de tradicionalismo y modernidad.

Semana 1: Introducción

¿Qué es el arte?

El gran arte en general se pregunta: ¿Cómo se puede hallar sentido a la vida humana? ¿Cómo podemos nosotros participar en ese sentido?
El arte no es cuestión simplemente de las obras que pertenece a uno u otro período, el arte son las obras, los artistas que las produjeron y las circunstancias que envolvieron a la rtista, a la obra y a su producción.

¿Por qué estudiamos historia del arte?

La historia no existe, suelen decir los expertos, es, simplemente, lo que cuentan los historiadores. En el caso de la historia del arte, para cualquier artista gráfico, es necesario entender que nada se crea “del vacío”, “del natural”, que la espontaneidad no es más que una trampa.
Para poder realizar trabajos que tenga cierta vibración, relevancia y valor para su público debemos conocer de dónde venimos, cómo fuimos pasando por donde pasamos y como ese camino puede indicarnos hacia dónde vamos o podríamos ir.

Los niveles del lenguaje

El lenguaje existe en diferentes niveles. El primero es el más superficial, está compuesto por las fórmulas —casi automatismos— que todos los días ponemos en práctica para poder lograr un mínimo entendimiento con las demás personas: cuando decimos gracias, buenos días, buenas noches, muy probablemente no estamos implicando con estas palabras carga emocional o sentimental alguna, simplemente son formas que nos permiten sortear la vida en sociedad. No hay que despreciar este nivel del lenguaje, como siempre le digo a mis alumnos, resulta bastante útil al momento de cobrar un cheque en un banco, cuando entramos a un ascensor y queremos ser inmanente corteses. Lo que debe quedarnos claros es que se trata del nivel más superficial.

Al profundizar en el lenguaje vemos que tenemos posibilidades mayores y es la que ponemos en práctica cuando componemos o redactamos esas notas, cartas, correos electrónicos, memorandos y otros documentos que nos exige nuestra vida. Allí utilizamos otras estrategias, damos cierto valor a las palabras como entes individuales, aunque, por lo general, cada vez que tengamos la ocasión, nos inclinaremos por los lugares comunes y las fórmulas que nos permiten cumplir nuestros objetivos. De nuevo se trata de un nivel necesario.

Luego viene un nivel aún mucho más profundo y es el del lenguaje especializado, el cual se caracteriza por el uso de jerga muy específica de ciertas ciencias, artes o disciplinas, hay una intención de precisión muy importante y esto nos permite crear mensajes que podrán ser comprendidos y compartidos, básicamente, por aquellas personas que dominen los mismos códigos.

Finalmente, podríamos decir que se llega al lenguaje emocional. Este es el lenguaje en el que, teóricamente, componemos nuestros texto más creativos, donde problematizamos la escritura. En un lenguaje que, utilizando las mismas palabras que los otros, existe una carga emotiva significativa.

Siempre es interesante preguntarse: ¿en qué se parecen y se diferencian una gran novela de un diccionario o una guía telefónica? Se asemejan en que ambas son ordenaciones intencionadas de palabras. Se diferencias en que mientras la precisión y frialdad del método alfabético domina en las últimas, en una buena novela es la emoción, el sentimiento que le imprime el autor lo que le da orden a esas palabras.

Es en este nivel de lenguaje emocional donde debemos trabajar.Mat

Semana 2: Postimpresionismo

Semana 2 El Post-impresionismo

¿Quiénes eran?

Paul Cézanne, Paul Gauguin, Paul Signac, Georges Seurat, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh

¿Qué hacían?

El término post-impresionismo se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX - tras el impresionismo.

El post-impresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los post-impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

Aunque a menudo exponían juntos, no se trataba de un movimiento cohesionado. Trabajan en áreas geográficas distantes entre sí - van Gogh en Arlés, Cézanne en Aix-en-Provence.

Se trata de una versión menos idílica y de más carga emocional que el impresionismo

Divisionismo y puntillismo son parientes muy cercanos. El puntillismo, originalmente fue llamado por Seurat cromo-luminismo.

Divisionismo fue un término acuñado por Paul Signac para referirse a la técnica de aplicar, simplemente, puntos de color directamente sobre el lienzo: de cerca, el cuadro divisionista no es más que una sucesión de puntos, a la distancia es cuando se mezclan en la retina y rugen los colores y las formas. Sin embargo, el divisionismo posee cualidades sociales y formales que lo separan del inocuo cromo-luminismo de los franceses.

Los artistas que practican el divisionismo son inconformistas sociales, frecuentemente vinculados al anarco-sindicalismo o a lo que posteriormente se establecerá en el nacional-socialismo del fascio de Mussolini. Los puntillistas carecen de ninguna intención social.

¿Cómo lo hacían?

1. Utilizaban formas exageradas
2. Tenían un particular uso del color, estructura y líneas
3. Los puntillistas presentan imágenes sometidas a sólidas composiciones geométricas, lejos de la espontaneidad de los impresionistas.
4. Los puntillistas aplican los colores en puntos de color primario, uno junto a otro que, vistos desde lejos, se mezclan en la retina dando el efecto de gamas cromáticas.
5. Los divisionistas tienen pinceladas más largas y fluctuantes, lejos de la mesura aburrida de los puntitos coloreados de Seurat o Signac.
6. Los divisionistas realizan composiciones más dinámicas, cercanas a los planteamientos de lo que será el Futurismo, que requiere introducir el desplazamiento de los cuerpos en el espacio y en el tiempo
7. Los divisionistas no se restringen a la colocación de pinceladas en colores primarios que luego la retina ha de mezclar para obtener las gamas, sino que emplean colores tonales en franjas de color tan violentas que no es posible esperar una mezcla óptica de los mismos.

El Post-impresionismo como nacimiento de las vanguardias

Se puede decir que el Impresionismo fue el padre “filosófico” de todas las vanguardias, el Post-impresionismo es el padre “operativo” de todas las vanguardias, ya que son los miembros de este movimiento quienes comienzan a plantearse búsquedas que superan el “callejón sin salida estilístico” de los impresionistas y sientan las bases de los movimientos que dominaran el arte las décadas siguientes.

el divisionismo se aproxima en su temática al simbolismo que se practicaba simultáneamente en Francia y Gran Bretaña: se ocupan por sus compromiso social en temas cargados de emoción y que resulten aleccionadores.

Su influencia sobre el recién nacido futurismo se mantuvo hasta 1911, año en el cual el ímpetu del cubismo arrolló todos los estilos que intentaban abrirse paso entre las vanguardias europeas.

Muchos de los autores iniciados como divisionisti, evolucionan hacia el Futurismo, que aprovecha tanto sus postulados como los de los cubistas, aderezados convenientemente con las nuevas ideologías imperialistas tendentes al próximo nacimiento del fascismo. Así, una obra como La Niña corriendo por el Balcón, de Giacomo Balla, es más fácil clasificarla como divisionista que como plenamente futurista.